动画作为一门融合艺术与技术的领域，拥有丰富而深厚的理论基础。其十二项基本原则，最早由迪士尼的顶尖动画师奥利·约翰斯顿和弗兰克·托马斯在1981年出版的《生命的幻觉：迪士尼动画》中系统总结，成为动画界的经典指导。这些原则不仅奠定了传统手绘动画的制作标准，也对现代计算机动画产生了深远影响，是每一位动画从业者必备的核心技能。动画的核心目的在于创造出富有生命力、具有真实感或夸张表现力的角色和场景，而十二原则正是通向这一目标的重要路径。首先，“挤压与拉伸”原则为物体注入了重量和弹性的感觉，模仿现实中物体在运动过程中的变形特征。例如，一个弹跳的球体在落地时会产生“挤压”，上升时则呈现“拉伸”，且在整个过程中其体积保持恒定，确保视觉的真实性和生动性。
该原则不仅适用于简单物体，也同样适合人体面部肌肉和复杂结构的表现。接着，动画中的“预备动作”原则起到引导观众关注和心理预期的作用。例如投球运动员在发球前摆臂的动作，便是通过预备动作让动作显得自然合理，增强动作的说服力。它不仅用于表达物理动作，也能表现心理活动，如角色望向屏幕外为即将出现的人物做准备。场景布置的“演出布局”原则，则类似电影和舞台剧中的构图，要素，包括人物位置、光影效果、镜头角度。它确保观众聚焦于关键表现，画面表达准确清晰，避免视觉干扰。
布局的合理安排，是成功传达情绪、性格和剧情的基础。动作的制作方式上，“直线行动法”与“关键帧法”各有利弊。前者逐帧绘制动作始终，适合表现流畅自由且动态丰富的场景，常用于自然动作表现，但可能导致比例和结构不统一。后者则先绘制关键动作，再补充间隔，便于掌控结构和节奏，更适合表达情感丰富或具有戏剧性的场景。现代计算机动画结合两种方法优势，进一步优化动画制作流程。“尾随动作与重叠动作”原则体现物理惯性和多部分协调运动。
例如跑马的鬃毛在身体停止后依然摇曳，表达自然的动力延续。不同身体部位和物件会以各自速度动作，形成层次感与真实感。这个原则对动态表现中的细节处理尤为重要，能极大提升动画质感。动画的加速减速变化遵循“缓进缓出”原则。现实中，物体和角色运动不是瞬间启动或停止的，动作的初始和结束阶段通常运动较慢，这一原则确保动画动作过渡自然平滑，避免机械式的死板感觉，也能加强力量感和节奏感。动作轨迹讲究“弧线”原则。
自然界中的动作大多沿拱形或弧线完成，如挥手、跳跃、抛掷等。沿弧线的运动伴随力度和速度变化，使动作流畅柔和。若违背此原则，动作会显得机械、突兀，失去真实感。主要动作的配合中，辅以“次级动作”，使场景更具层次和生命力。次级动作如走路时摆动的手臂、轻微的面部表情，是对主动作的呼应和加强，能为角色赋予情感和个性，但需避免分散观众注意力。动画节奏和速度由“时间安排”原则控制，决定画面帧数和动作速度。
正确的时间安排让物体动作符合物理规律，不同重量和特性的物体反应速度不同。恰当的时间运用也能传达角色的情绪状态和性格特征，是塑造角色魅力的关键所在。通过“夸张”原则，动画突破现实的束缚，增强表现力和趣味性。适度的夸张可以使动作更加鲜明、生动，增强视觉冲击力。夸张不仅限于动作，也适用于角色造型和剧情设计，赋予作品独特的艺术风格和感染力，但必须保持恰当的平衡，不致于让观众感到混乱或脱离主题。“立体绘画”原则强调动画中的造型应具备空间感和重量感。
这需要动画师具备扎实的绘画技巧，理解三维形体结构、解剖学和光影关系。动画角色若缺乏体积感和真实的重量，容易显得呆板，缺乏生命力。熟练掌握此原则能够使动画作品更具艺术价值和说服力。最后，“魅力”原则是角色设计和表现的灵魂。魅力不仅是外表美感，还包括角色的个性特点和故事表达，使观众产生共鸣和兴趣。无论是正面角色还是反派、怪物，只要能吸引观众的注意力，使其感到真实可信，就具备了魅力。
简洁清晰、富有特色的设计更易获得观众喜爱。尽管十二项原则起源于传统手绘动画，但随着计算机图形技术的发展，它们仍然是数字动画创作的基石。现代动画师利用三维软件和自动插帧技术，实现对动作和形态的精细控制，同时依赖这些原则指导创意和审美。深入理解这些基本原则，可以帮助动画制作者突破技术限制，创造更富表现力和感染力的动画作品。掌握十二项原则不仅能提升动画动作的真实感和流畅度，也使角色形象更加鲜活贴近观众内心。它们是动画艺术的灵魂代码，是连接创作者与观众的桥梁。
无论是短视频、游戏角色，还是大型电影特效，十二项原则都发挥着无可替代的作用。未来，随着虚拟现实和人工智能技术的发展，动画艺术将迎来新的变革，但这些根植于视觉和心理体验的基本法则永远不会过时。掌握并灵活运用十二原则，将是动画师不断创新、提升艺术表达的法宝。
